JAZZ MAGAZINE

怎样欣赏爵士即兴（2）

2006-12-27T04:14:00.000-08:00

二、爵士乐中的乐器

这一节将对三四十年代之间发展起来的一些爵士乐的基本演奏乐器进行总体的描述，尽管从六十年代开始一些爵士团体在乐器使用上进行大胆地革新并突破了原先一些的严格限制，下面这些将提到的乐器某种程度上说仍然是最为标准化的爵士乐演奏基本配置。

爵士乐是种群体合作的艺术，由独奏组与节奏组共同组成一个群体。节奏组作用是一群乐手通过集体即兴，为独奏者提供伴奏并激励独奏者，他们为独奏者即兴提供一个强力的跳板或有利的音乐背景，可以催生或打断独奏者的情绪。接下来我们就试图讲述一下节奏组中的每件乐器。

节奏组通常由声学贝司（或电贝司）、鼓和一件和声乐器（象钢琴或吉他）组成。假如有风琴（ORGAN）的话，那可以同时代替贝司与和声乐器，因为贝司部分的演奏可以通过风琴的一些足踏板来完成。但实际上大多数的爵士风琴手要同时用左手以及踏板的辅助才可完成贝司部分的演奏，这样当右手弹独奏时，就腾不出手来进行和弦伴奏了。由于上述的缺陷，在许多配备有这种风琴的夜总会演出时逼得一些乐团不得不带上他们自己的手提电钢琴或电风琴。采用这种风琴有一个额外的优点就是可以节省人力，省下一份工钱，因为风琴可以同时演奏贝司低音与和声。

BASS

贝司手通常是通过每节拍上弹拨单音并不定时地加入装饰音来进行演奏的。许多贝司手都强调每小节中的二、四拍，这样来构成一种摇摆的感觉。贝司手为乐曲提供稳定的节拍并带来弹跳感，从而使自己成为乐团低音部的注册标志。这种风格的演奏被成为WALKING BASS。贝司手演奏的音符都是和声进行中的关键音或者是和弦的相对音，贝司通过演奏那些关键音标明了和声的进行。好的WALKING BASS可以自己形成优美的旋律线。实际上，一些独奏者也认为WALKING BASS是节奏组中最关键的部分。他们可以没有鼓与和声乐器的伴奏，也不能没有WALKING BASS。

贝司手在演奏中也有一系列特殊的技巧。有时贝司手会同时拨两根弦进行演奏，这叫做“DOUBLE STOP”；或者也会象吉他手一样同时拨四根弦。在交响乐团，贝司的发声通常是像锯木头一样通过弓拉出来的，这种技巧叫做“ARCO”，不要与手指弹拨混淆，手指弹拨技巧叫做“PIZZICATO”。尽管大多数贝司手都能用弓演奏，但实际上使用弓演奏的场合很少。

贝司手在乐曲的间歇处进行旋律演奏，就像是在与乐队的其他成员对话（这些间歇被叫做“BROKEN TIME”）。六十年代后的团，这些间歇处的旋律演奏对贝司手来讲比保持节拍要更显重要。贝司手的角色在开始转换，这时期贝司手开始参与乐器与乐器间的音乐对话，就像DIXIELAND时期小号、长号、单簧管之间的相互即兴演奏一样。在这时期，贝司手与传统上相比演奏旋律的机会更多，当他们从传统的WALKING风格中解放出来后，贝司的伴奏节奏也异常丰富起来（可以留意一下BILL EVANS TRIO唱片中的贝司部分演奏以及WEATHER REPORT的第一张专辑COLUMBIA PC 30661）。

PIANO

钢琴手通常是以切分的方式来演奏和声，用和声与节奏来丰富支持独奏者的演奏。这些和弦通常处于钢琴键盘的中音区，因为这些音符容易被人耳听到。钢琴手为独奏者伴奏衬底，术语上叫做“COMPING”。演奏和声节奏时，钢琴手用双手“COMPING”；碰到钢琴手自己的独奏部分时，他会用左手“COMPING”，右手弹旋律线。

“COMPING”也是一种即兴的演奏，起到提升独奏的效果。有时也用来启发独奏者，为其提示独奏的和弦与节奏。当独奏乐手在演奏中突然改向，钢琴手的“COMPING”也必须瞬间同步回应。即当独奏乐手的旋律中提示一系列特殊的和声时，钢琴手必须马上跟随适应，即便是这些和声进行对于这首曲子来讲是不典型的或者乐手间事先并未说好的。钢琴手在“COMPING”的过程中必须要有创造力，但又不能挡住独奏乐手的道。这是项高难度的工作，要求乐手有很强的敏锐性与辨别力。某些时候当钢琴手觉得没有伴奏的独奏会效果更好的话，他也会在曲子中间停下不弹。钢琴手的“COMPING”也要与鼓手相呼应。节奏组的各成员主要职责是为旋律节奏不断变化的独奏乐手的即兴提供稳定的伴奏，所以他们通常会事先在标出主旋律或合奏部分的节奏型。

DRUMS

爵士鼓手用右手来打节奏，与贝司手一样主要为音乐提供固定的节拍与摇摆感。节奏主要是鼓手通过击打右手的鼓组件中的骑钹来形成的。因此这些节奏也被叫做“RIDE RHYTHMS”，一般来讲就是每一节拍敲击一下（CHING,CHING,CHIING,CHING)，与WALKING BASS保持一致，但是鼓的节拍要复杂一些，举个例子来讲，（CHICK CHICK A CHING CHICK A CHING CHICK A CHING或者CHING CHING CHING CHICK A CHING或者CHING CHICK A CHING CHICK A CHING CHICK A CHICK A CHING等等）当然鼓手也能用鼓的其他组件来打节奏。实际上，在骑钹未被广泛使用前,“RIDE RHYTHMES”是用小（军）鼓或踏钹来打的，必须指出的是鼓手也可以通过击打左手边的另一片钹（CRASH CYMBAL）来“RIDE RHYTHMES”,右手并不只是限制于打骑钹，他可以用右手击打鼓的任何组件，只不过骑钹可能要占据了他的更多的注意力。这样鼓手的左手就可以解放出来用以击打重音，或通过击打他膝盖旁的小鼓来增加乐队的音响色彩。小鼓能发出比较脆裂的音色，击打它发出的音色术语上叫做“FILLS”，因为小鼓经常被用来填补独奏乐手的演奏空隙。CRASH CYMBAL也用右手击打，通常是加在一段“FILL”之后，也即是RIDE RHYTHMS被打断时。选择CRASH CYMBAL主要是看它的音色与击打后声音消失的快慢，延音消失快的比较好。骑钹（RIDE CYMBAL）的选择主要是看它的音色与发出的“PING”的音响的好坏，击打后它的声音的延长要比CRASH CYMBAL发出的历时久。至于小鼓，它是乐队中潜在的一股活力，在乐队演奏过程中始终“喋喋不休”着。小通通鼓（SMALL TOM TOM）与大通通鼓（LARGE TOM TOM）是悬挂在低音鼓上的，基本在鼓手的右半边，也是用来加重音与添加音响色彩的。

贝司手加重每小节中二四拍来突出摇摆感，而鼓手则在相同的节拍上通过踩左足踏板使两片钹闭合发出“CHICK”声来营造同样的氛围。这一装置叫做踏钹（“HIGH-HAT”或“SOCK CYMBAL”）。当鼓手踩踏板使两片钹瞬间闭合，踏钹会发出“CHICK”声，再开合一次就发出又一声“CHICK”声。当鼓手恰到好处地将两片钹闭合相撞，然后分开使它们发生共振，踏钹能发出像和弦一样的“CHING”的声响。所有以上的这些音响都是通过踏钹的踏板完成的。踏钹还可以用鼓棒、刷子、鼓槌来击打，不同的器具可以发出不同的声响。踏钹的钹片无论开合都可击打它，也可以单独击打其中的任何一片，并且钹片本身的不同部分击打起来也会发出不同的音色。

鼓手用他的右足踩另一踏板，使得鼓槌击打低音鼓（BASS DRUM）。鼓手有时会每小节四拍都轻踩低音鼓，当然他也会用低音鼓来击打重音。我们可以从唱片中把不同的鼓手辨认出来，因为鼓手们都喜欢用一些与众不同的装备并且打鼓的方式各不相同。没有任何两个鼓手的钹发出的声响会是一样的，而且每个鼓手都喜欢按自己的方式来调试鼓的音色（一般是通过调节螺栓来改变鼓面的松紧形成不同的音色，还有一种方式是通过在鼓面上贴上薄纱或胶带来使鼓皮的振动衰减从而改变音色）。他们还会在钹的背面特定的位置贴上胶布来改变钹的音色。为了追求“SIZZLE”的音色，鼓手会在钹上钻一些小孔并且装上铆钉，使得钹在被击打时铆钉能反向振动；另外有一个不需要在钹上钻孔也能达到同样效果的技巧，即鼓手在钹的顶端挂上一大串钥匙，这样当钹被击打时，钥匙串上下跳跃与钹相撞也能发出“SIZZLE”声。

钹在舞台上看上去总是陈旧又脏兮兮的，但是几乎没有鼓手会把它去抛光一下，因为钹表面的任何一部分（哪怕是尘土、锈蚀或铜屑）的去除都会改变钹的音质。事实上，一些附着在钹片上的污垢会使得钹片的音色更沉更暗，因而许多鼓手会故意把新的钹片放上一阵让其老化，只是为了追求一种特殊的声响。

尽管钹片有各种不同的型号、厚度、直径，但对于每个鼓手来讲，没有一个统一的标准来确保其获得理想中的钹片。没有两片是一样的，那怕是出自同一制作厂商和同一型号的。鼓手时常会经年累月地找寻理想中的钹片。许多鼓手收集钹片，不同的演出会使用不同的钹片，主要取决于当时所需要的音色。即使没办法一定要使用他人的鼓时，他也会替换下钹片使用自己的。没有人会比专业的爵士鼓手对钹片的了解更多。鼓可以发出大量丰富的音响效果，取决于鼓手击打哪个鼓或钹，使多大的劲，击打鼓或钹的哪一部分。击打钹的中央与边缘或者次边缘产生的音色是很不一样的。用鼓棒、刷、鼓槌、空手等不同的器械击打产生的音效也不同。（以CHARLIE PARKER的“KO KO”为例，鼓手MAX ROACH在引子部分用刷子击打小鼓，接着用鼓棒击打骑钹来为独奏部分伴奏，MAX ROACH在乐曲中还时不时用鼓棒击打小鼓或踩低音鼓即兴回应其他乐器的演奏。

上述所提到的几样是鼓的基本套件，大多数鼓手除了这几样一般还会带上额外的钹片、通通鼓和一些拉丁美洲的打击乐器。六十年代开始，许多鼓手还会配备上COWBELL（曼波钟）等打击乐器。

公众一般都把鼓手仅仅看作是乐队的节拍控制者，尽管在一些乐队中看来就是如此，但纵观爵士乐史，鼓手在乐队中还起到丰富音乐的音响与节奏、调动情绪的作用，这些丰富的音效使得音乐的速度节奏鲜明。问题的关键在于很多的爵士打击乐器都不仅限于保持节拍，更多地用于修饰乐队的音响效果。换句话说即鼓手的主要任务是修饰音乐，控制稳定节拍反而成为次要的活，事实上某些乐队就喜欢聘用专门的鼓手来干这活。

鼓手除了稳定节拍与丰富音响以外，他也像贝司手与钢琴手般通过变换节奏来与独奏乐手对话。从六十年代中期开始，爵士乐鼓的演奏观念也发生了很大的变化，越来越多的鼓手像传统的独奏者一般站到乐队的前面来了。大量的鼓手与乐队成员间的交互演奏出现了，就像早先DIXIELAND时期旋律乐器（小号、单簧管、长号）集体即兴一样。（大家可以听一下JOHN COLTRANE的专辑“LIVE ON BIRDLAND”和“SUN SHIP”或者MILES DAVIS的专辑“MILES SMILES”和“FILLES DE KILIMANJARO”）另外值得指出的是鼓手能够控制整个乐队音乐音量的大小，音乐的层次以及演出的气氛，某种程度上有些类似与交响乐团的指挥。（可以听一下MILES DAVIS“SORCERER”专辑中的曲子“MASQUALERO”的鼓演奏）。

七十年代许多的乐队演奏中会同时使用两个或者更多数量的鼓手（大家可以找一下WEATHER REPORT的专辑“I SING THE BODY ELECTRIC”、“BLACK MARKET”和“SWEETNIGHTER”以及MILES DAVIS的专辑“LIVE-EVIL”和“ON THE CORNER”）。在一些演出中，这些鼓手的作用甚至都是用于丰富音效的。然而在大多数的演出中，总要分出一鼓手用标准的爵士套鼓来控制住节奏，其他鼓手则用额外的打击乐器来修饰乐队的音效。

怎样欣赏爵士即兴(１)

2006-12-26T08:12:00.000-08:00

　　这是gugu1对MARK C.GRIDLEY的《JAZZ STYLES history and analysis》的译介，GRIDLEY撰写的此书为爵士乐入门的经典书籍，由纽约Prentice Hall出版，目前已印行六版。原文已经刊载于《JAZZ Magazine(爵士杂志)》第一、第二期。特收藏在这里，作者难得的学习资料。

学会聆听爵士乐的即兴演奏是一门必修的功课。假如掌握些相关知识并不断训练的话，爵士即兴将会成为你最快乐的一种听觉享受。要欣赏爵士演奏者的即兴，你也必须了解一些演奏者所知道的。因此，建议了解一些聆听的技巧，这一章节将着重为你讲述小型爵士乐队中不同乐器所扮演的角色、演奏者所掌握的一些技巧、不同伴奏背境下的即兴、和声进行以及曲调的结构等等。
要使所学的知识有实际意义的话，你应当定期地拿出一张唱片或一盒音带就我们讨论的不同角度反复仔细地聆听。当阅读完本章的每一小节或顶多是每五段落，你就应当停下来，仔细地听一下列出的代表曲目中的一首，在听的过程中回忆理解刚读到的一些有关音乐的概念。

一、聆听技巧

在阅读下面一节有关乐器在乐队中的角色之前，先找一张介于50年代中期与60年代后期之间录制的唱片（或音带），只有管乐器（萨克斯、小号、长号）、钢琴、贝司和鼓四重奏的。尤其重要的是唱片中的鼓和贝司一定要能清晰地听到。假如你对符合上述标准的唱片不是很清楚的话，可以看一下下列推荐：1）任何1969年以后SONNY STITT的唱片2）MILES DAVIS在COLUMBIA公司旗下录的专辑：E.S.P，SORCERER，SOMEDAY MY PRINCE WILL COME，KIND OF BLUE，BASIC MILES，MILESTONES。3）SONNY ROLLINGS的曲子BLUE 74）SONNY ROLLINGS的曲子PENT-UP HOUSE5）MILES DAVIS的曲子SO WHAT6）任何一张DEXTER GORDON为COLUMBIA公司录的唱片在其中选出一张，先按你平时的欣赏习惯听一遍，然后选定一首反复地听四遍：第一遍只注意鼓和镲发出的每一下声响；第二遍注意听独奏和贝司；第三遍忽略独奏只留意钢琴、贝司和鼓；第四遍留意独奏乐器的每个音符与钢琴和弦之间的互动。最后再听个四遍以上，每一遍只盯住一个乐手的表现。
你会发现把最原始的曲调哼出来对你自己是很有帮助的，因为即兴大都是建立在这个曲调和声变化的基础上的。将你对原始曲调的哼哼与演奏者的即兴独奏同步行进，并保持相同的速度，你会听到即兴独奏实际上攫取了原始曲调，还可以清楚地听到和弦的转换。同时你就会意识到原始曲调与即兴部分的旋律都是建立在相同的和弦变化上的。
尝试着在脑海中构想出一幅独奏旋律线的图表。图表的水平方向代表时间，垂直方向代表音高的起伏。图表可以通过用色彩与结构（钢琴和声伴奏、鼓、镲、贝司等等）来修饰。独奏的旋律线还包括各种装饰音：颤音、推弦、震音、滑弦、大幅度的升降、改变音色、音量的强弱等等。
你可以想象一下曲子中的各种声响是分不同层次的，一层叠加在另一层之上，随着时间地变化同时行进着，每一层都代表一种不同的乐器。一旦你能熟练地将这些独立的音响区分开来，也就会体会到这些不同层次的音响之间的联系。同时，你还能听到和弦的变换，这是向能够欣赏“乐手们演奏中的相互呼应与配合”跨出了重要的一步，这点对欣赏爵士乐来说是至关重要的。
能将爵士乐手的即兴独奏部分当成旋律一样来聆听的话，将有助于你欣赏大多数60年代之前的爵士即兴。而大量60年代以后的爵士作品则需要你对音乐的调式以及一些特殊的音乐元素有一定的敏感度，这些音乐中旋律与伴奏没有明显的区分，有时调式可能是乐曲中要突出的唯一部分。对听众来讲，SUN RA，CECIL TAYLOR和1968年后的MILES DAVIS尤其热衷变换调式、音色、节奏。然而，大多数的爵士通常都可以从以下几方面结合着来欣赏：调式、旋律、特殊的音响效果。
当你尝试着要听清楚乐手即兴独奏的每一个音符时，有时碰上一些快速的段落就可能无法抓得下每个音，尤其JOHN COLTANE和OSCAR PETERSON的作品更是如此。但是反复多遍、更集中精力地来听，你逐渐会听清每一个音符。对你来说也许有些难，但别泄气。多数的人通过练习都能提高“听力技巧”。即使对专业的音乐家来讲，反复聆听以求听清楚一些复杂、超速的即兴演奏，这种情况也很常见。一些音乐家甚至需要成年累月地聆听，才能真正欣赏某些特殊风格爵士乐的内涵。让你的耳朵适当进行训练，它们会越来越管用的。